ir al inicio

NOTAS PARA EL COMENTARIO

I) Texto y contexto

      El poema pertenece al libro de Rafael Alberti A la pintura, escrito entre 1945 y 1952. En esta obra, dedicada a Picasso,  Albert recoge   una serie de poemas relacionados con pintores (Piero de la Francesca, Beato Azul Angélico, El Bosco, Goya...), y con instrumentos o técnicas pictóricas: Al pincel, A la acuarela, A la perspectiva, Divina proporción... Al igual que algunos escritores modernistas (por ejemplo, Manuel Machado) Alberti busca sustituir la paleta del pintor por la riqueza verbal, los colores por los recursos poéticos así como sugerir las formas por el léxico existente o creado por el autor (como en el caso del poema dedicado a El Bosco), utilizando la sintaxis para dar coherencia al conjunto. En el caso del poema que nos ocupa se valdrá de otro recurso, el caligrama, para aumentar el sentido plástico del poema.

      Además de la vocación pictórica de Alberti, conviene tener en cuenta que no sólo comparte con Pablo Picasso afinidades estéticas e ideológicas (ambos militan en esta época en el Partido Comunista) sino que uno y otro han tenido que exiliarse la terminar la Guerra Civil para evitar la represión franquista.

      Sobre este hecho de los españoles privados de su patria por el fascismo se va a organizar el poema. Sobre este hecho y sobre la falacia de la propoganda fascista de esta época (estamos en la llamada Guerra Fría) que, para justificar su brutalidad y la sinrazón de una sanguinaria dictadura,  voceaba que los exiliados eran unos comunistas a sueldo de Moscú, que no eran verdaderos españoles. Frente a ello Alberti va a construir un poema sobre dos ejes entelazados: España y Picasso. El pintor malagueño, al igual que la mayoría de quienes, exiliándose,  pudieron evitar ser asesinados o encarcelados por el franquismo, representa la belleza, la creatividad, la fuerza, la tradición artística y cultural de nuestro país sin renunciar por ello a la apertura a otras corrientes y a denunciar cuanto hay de retrógrado o mostrenco en nuestro pasado y presente. El poema se podría resumir así:

 1ª Parte: esto es España, sus miserias y grandezas, su luz y sus sombras.

 2ª parte: este es Piccasso y su evolución artística y humana.

 Conclusión: Picasso también es España.

      Para desarrollar este razonamiento, Alberti construye uno de sus poemas más ambiciosos en lo que a los recursos poéticos[1] y expresividad verbal y plástica se refiere. Vamos a la primera parte dedicada al país del pintor.

II) España

        Esta primera parte se divide, a su vez, en dos: la que va desde el inicio hasta España y la que llega hasta Picasso. ç

        El poeta  se sirve, en sus ocho primeros versos, de un pretexto alegórico que va a estar presente en  todo el poema: La relación entre España y los toros no sólo se establece porque la lidia sea algo típicamente español, sino porque  el animal, el torero y la corrida representan la barbarie y la belleza, el valor y la temeridad, la crueldad y el sacrificio, la plasticidad y el horror de la muerte.    Enfrentamientos que veremos en la estrofa siguiente referidos a España  y que alcanzarán su expresión más brutal en las guerras civiles, como la reflejada en el Guernica, en la cual, como sentencia el último verso, el juego del arte comienza a ser un juego explosivo.

      Pero en estos primeros ocho versos, el poeta va a partir de un hecho físico para engarzar en él sus imágenes: la piel de toro con la que se identifica a España. Para subrayar esta idea formal, Alberti construye un caligrama en el que estos versos configuran el mapa de nuestro país.

     A partir de aquí, las metáforas y metonimias quedan claras: España (la piel de toro, el toro) es una península rodeada de mares. Esos azules se complementan con los del cielo tantas veces despejado, y con el blanco de las casas, sobre todo en el sur (Picasso es malagueño y Málaga aparece debajo del nombre del pintor en este poema). De ahí  las metonimias con las que comienza el poema: azul, blanco y añil, postal y marinero.  Después vendrán las metáforas que recrean la visión pictórica de España desde lejos, sea desde un avión o un barco:  la de un toro_España_ arrancándose del toril o del chiquero azules _mar y cielo_. Con La guitarra de oro el poeta gaditano completa el cuadro: la guitarra es otro de los símbolos de la cultura española, sobre todo del cante jondo y el color dorado, evoca, además del de la guitarra, la presencia del sol y de la luz.

      En los 12 versos siguientes los recursos poéticos se intensifican. Si en los anteriores versos se habían empleado imágenes fundamentalmente plásticas con una técnica descriptiva impresionista y su correspondiente estilo nominal (sólo hay un verbo, arrancó), en este fragmento las metáforas plásticas se combinan con efectos musicales y con acciones que reflejen algunos rasgos del carácter de los españoles y de nuestra historia. La descripción de nuestro país y las reflexión sobre sus habitantes termina recogiendo la idea antes desarrollada: como toro que es toro y azul toro de España. La profusión de recursos poéticos en este fragmento exige un análisis más detallado. Como puede observar cualquier lector, si en el párrafo anterior la imagen organizativa era la de la piel de toro, aquí va a ser la de una letra: la ñ, exclusiva de nuestro alfabeto y que entra no sólo en el nombre del país sino en la palabra que más utilizamos los españoles, hasta el punto que si en otros lugares de América nos denominan gallegos, en Chile nos llaman "los coños".

Esta grafía (y su sonido correspondiente) permite al poeta utilizar recursos fónicos o musicales: la paranomasia  y la aliteración presentes en todo el fragmento al emplear palabras de sonido parecido  y la repetición insistente de esta articulación nasal-palatal-sonora, la onomatopeya (pipirigaña) y la derivación: suena-consuena,  laña-deslaña, estaña-desestaña.

      Junto a estos recusos fónicos encontramos otros semánticos que dan sentido pleno al fragmento y explican el mensaje que quiere transmitir el poeta: España es, como todos, un país con sus virtudes y defectos, sus alegrías y sus tristezas, capaz de gestas heroicas y acciones miserables, del amor y el odio. Las metáforas y antítesis se agrupan en dos campos semánticos, uno positivo y otro negativos.  Veámoslo:

• METÁFORA POSITIVAS:

  • musaraña tiene la connotación de idealismo, pérdida del sentido de la realidad, quijotismo

  • cucaña y pipirigaña se asocian con el juego; la primera palabra también nos lleva a la lucha por algo muy difícil de alcanzar, mientras que el juego infantil de la pipirigaña se asocia con la ternura, con el amor total, como también entraña que había escrito antes.

  • laña y estaña simbolizan la  unión frente a las antítesis que viene a continuación en los dos versos bimembres (estaña y desestaña) que reflejan la desunión o enfrentamientos, por desgracia más frecuentes en nuestra historia.

• METÁFORAS NEGATIVAS:

  •  La primera corresponde a la cárcel que durante el franquismo era España: fina tela de araña

  • Con la siguiente se referirá a la muerte: la guadaña está presente no sólo en las guerras sino en la feroz represión de los Autos de fe o en los fusilamientos continuos que se llevan a cabo en los años que el poeta escribe estos versos y que continuarán hasta días antes de la muerte del dictador. Esta brutalidad mantenidad ferozmente contra el antagonista se expresará dos versos más abajo: saña.

      Además de las metáforas del toro ya señaladas, en este fragmento aparece otra no referida a los habitantes, sino a la geografía física: braña. Con esta referencia a los prados verdes o pastizales tal vez el poeta quiera ampliar el paisaje a la España húmea o introducir una nota de esperanza.

III Picasso [2]

      En esta segunda parte de su poema, Alberti realizará un recorrido por las distintas etapas de Piccaso hasta 1937 en que pinta el Guernika encargado por el gobierno de la República con motivo de la destrucción de esta ciudad por la aviación de los nazis, aliados de Franco.

      Las dos primeras etapas del pintor sirven también al poeta para seguir jugando con los contrarios: la época azul representa el pesimismo, la tristeza reflejada en la planchadora,  mientras que el rosa encarna el optimismo, la alegría infantil juguetona de la cabra o de la primera maternidad. El poeta combina el empleo de los colores que reflejen las obras a las que se está refiriendo con los juegos de palabras (en este caso, la derivación) para darle más plasticidad al poema: rosadamente rosa, sonrosada.

      Al referirse a la etapa cubista Alberti vuelve a servirse del caligrama para tratar de reflejar la forma de algunas de las pinturas que está recreando, a la vez que emplea una metáfora hiperbólica para expresar la ruptura de este movimiento con lo anterior (vaciados los ojos de receta), y el afán de superación de las vanguardias del que participa Picasso y que entronca con nuestras mejores tradiciones pictóricas y culturales: la ventana se entreabre al mediodía.

       Tras la enumeración de obras del pintor malagueño, resurge la metáfora del toro-España, de las pesadillas y sueños que se reflejarán en un nuevo movimiento artístico y literario: el surrealismo. La consciencia cede ante la inconsciencia, lo real ante lo irreal, lo oculto emerge por monstruoso que puede parecer, las leyes y las normas se alteran: Aquí el toro torea a veces al torero. Es el toro quien teme la cogida....Esta nueva realidad del subconsciente aflora  en la pintura, en el cine, en la poesía como corresponde a un movimiento que se reflejará en todas las artes: ¡oh monstruos, razón de la pintura, sueños de la poesía!

       En el último párrafo la imagen de España-toro se tiñe de dolor y sangre como corresponde a la situación de la guerra. El país está siendo masacrado por la artillería, la aviación, los bombardeos marinos: ¿Cuál será la arrancada del toro que le parten en la cruz una pica? Barderillas de fuego... Y el pintor malagueño reflejará el dolor y la desolación de una pacífica ciudad que un día de mercado fue masacrada sañuda y cobardemente, pues no podía oponer la menor resistencia a la barbarie fascista. Ahora el arte, el artista, no sólo debe preocuparse por las formas, tiene que tomar partido, puesto que el arte ya no es un juego, es un juego explosivo.

ir al inicio

ir al inicio

IR AL ÍNDICE GENERAL